Netophonix - Le forum

Bonjour !

J'aimerais revenir sur une notion essentielle en comédie : être dans son personnage. C'est une expression qu'on connaît tous, une des premières choses à laquelle on pense lorsque l'on s'apprête à interpréter un rôle.

Mais qu'est-ce que ça veut dire exactement ?

Je voudrais commencer par synthétiser / paraphraser les quelques conseils prodigués par mes camarades dans ce forum jeu d'acteur : il faut faire abstraction de notre état.

Durant un certain laps de temps, virtuellement, nous n'existons plus. Nous nous effaçons temporairement de notre condition de créateur pour vivre temporairement autre chose que quelqu'un qui créé. C'est un peu paradoxal n'est-ce pas ? Nous voulons être, mais nous ne devons pas être. Shakespeare se retourne encore dans sa tombe

Quand on nous propose un rôle, on étudie le personnage. Qui il est. Comment il vit. Comment il appréhende la vie virtuelle qu'il mène, etc. Donc, tout se passe dans notre tête.

Or, physiologiquement, tout ce qui se passe dans notre tête est magnifique. Parce que penser est très facile, très libre. Tout le monde peut s'imaginer avec la gueule qu'il veut avoir, la taille qu'il veut avoir, le métier qu'il veut faire. Et tout le monde peut s'imaginer chanter comme un dieu devant une foule en délire. C'est très facile.

Le réflexe qu'on a en général, c'est d'imiter ce comportement imaginé. Mais c'est là que ça pince. Le corps ne réceptionne pratiquement jamais à l'identique ce que l'esprit a imaginé.

On se dit que si un personnage est en colère, on doit parler fort sur un ton désagréable ? NON ! Parce que ça, c'est de l'imitation.

Lorsque l'on imite quelqu'un, que l'on imite une émotion en adoptant un comportement avec des mots-clés et un champ lexical, on est complètement dans le jeu.

Or, nous auditeurs, on est pas là pour entendre un comédien jouer. On est là pour entendre un soldat, un policier, un nain, un magicien, un employé, un patron, un président...

Alors, être dans son personnage, c'est VIVRE la même chose que lui. Tout est une question de contexte et d'environnement.

Un soldat qui a peur n'agira pas de la même façon qu'un enfant qui a peur. Pourtant, c'est la même émotion. Mais un enfant se mettra à crier, à pleurer, à gémir, complètement vulnérable. Alors qu'un soldat aura sans doute plus d'anticipation, adoptera un comportement défensif, gardera un peu de sang-froid (c'est un soldat, quand même), mais n'agira certainement pas comme le fera un enfant.

Bon après, tout dépend de la nature du danger en face, mais vous m'avez compris.

Il est donc inutile de se mettre des mots-clés dans la tête et de mimer ce que ces mots-clés veulent dire. Vous ne serez pas crédible, sinon.

Vivez, tentez, c'est à chaque fois une nouvelle expérience. Et n'ayez pas peur, des tas de gens font ça, et la plupart sont adorés, reçoivent des prix et sont même payés pour le faire. Ça se passe à l'intérieur de vous. Ne lisez pas mot pour mot votre texte avec le ton approprié à la didascalie notée à coté. Chaque phrase est un petit spectacle.

Mais au final gardez le contrôle, vous n'êtes pas fou, juste un comédien

Diantre, c'est beau..! Voilà l'éloge même du perfectionniste! J'approuve: il y a une nette différence entre jouer et être son personnage.. Cela se remarque forcément. Toutefois, je pense qu'il est moins important d'être un comédien accompli dans le genre de l'histoire audio. Il est plus facile de n'avoir que la voix et l'humeur à exprimer, quand les comédiens ont un travail démesuré à accomplir sur scène, par comparaison. En théâtre amateur, je ne peux qu'être témoin de cette difficulté. La lecture de ton message nous rappelle ainsi avec raison qu'il faut différencier le jeu simple et plat avec l'appropriation même du personnage.

Moins important, je ne suis pas du tout d'accord.*

Différent, sûrement, puisque tout l'aspect visuel, et donc le mouvement, n'entre pas en compte dans ce que le "spectateur" appréhende d'un comédien. Toutefois, ça ne veut pas dire que ledit mouvement ne met pas l'emphase sur le ton / l'humeur du personnage que le comédien interprète.

Mais si au moins il n'est pas possible d'être dans l'émotion à l'extrême quand on joue (à moins de souffrir de troubles sévères de la personnalité), je suis intimement convaincu que l'énergie singulière véhiculée par l'émotion contribue grandement à la crédibilité du personnage interprété. Et qui dit énergie dit mouvement. C'est là à mon avis le gros point commun entre le comédien audio et... l'autre

Et aussi, voilà pourquoi il vaut mieux enregistrer debout et détendu, et non pas assis et / ou statique devant son micro avec le nez dans son texte.

*On dit souvent qu'un sourire s'entend, et c'est vrai. Mais il n'y a pas que le sourire. En fait, je suis quasiment sûr que toutes les émotions s'entendent, y compris quand on fait semblant d'en avoir. C'est là que repose la difficulté majeure du comédien audio puisqu'il n'a que sa voix pour convaincre. Or, s'il fait semblant, ou en tout cas s'il n'y met pas l'énergie, ça s'entend, donc c'est cramé.

Ben après, bien sûr, y a le traditionnel "se nourrir de son passif" d'où le choix parfois pointu des acteurs par certains metteurs en scène: "il faut que ça soit LUI!"

Ce qui me fait penser à une metteuse en scène de ma ville qui montait Barbe Bleue au théâtre et qui n'arrivait pas à diriger son acteur principal jusqu'à ce qu'elle lui dise "pense à ta laideur" (il était réputé pour être assez moche) et qu'il s'effondre en larmes... C'est de ça qu'il s'est nourri pour se créer, alimenter son jeu, toutes ces fois où on lui a dit qu'il était laid, toute la souffrance qu'il avait accumulée, et que Barbe Bleue devait ressentir, exprimer au public, sans même que le texte en parle.

Pour une saga mp3 où on se retrouve à jouer un peu tout, il faut soit être comme Nico & Matt et avoir le "truc comique" qui fait qu'on a le don d'imiter, de sortir des situations avec ce truc marrant qui marche, soit avoir un peu tout vu, être capable de malaxer les sentiments...
(Je ne cite pas PenOfChaos, car je trouve qu'après dix ans de Naheulbeuk le jeu n'a pas bougé, soit les situations sont les mêmes soit l'interprétation s'auto-alimente, je ne critique pas, c'est comme pour Kaamelott que je vénère, seulement les acteurs. Jouent. Toujours. La même chose.)
Moi, pour ne pas en parler, quand j'ai fait le brouillon de Labyrinthe où le personnage doit trembler, hurler, j'ai ouvert la fenêtre et je me suis mis à moitié à poil dans le froid, je grelottais, c'était assez désagréable mais ça donnait une bonne intonation au personnage désorienté. Après, pour le moment où il gueule, il a vraiment fallu travailler: pas facile de se lâcher complètement, de hurler avec une violence extrême quand on a conscience que tous nos voisins entendent, et qu'on est introverti de nature, etc... Il faut un certain travail sur soi-même, aller chercher toute la violence qui se cache en nous, et décoincer la boule du ventre qui bloque la violence, qui bloque le cri à l'intérieur de nos instestins.
Si je me rappelle bien c'est plus ou moins le principe d'un exercice que décrit Stanislavski dans La Méthode de l'acteur... L'acteur doit imaginer deux sphères:

1-Celle qui l'entoure directement: il se retire à l'intérieur, bref il est en lui-même quoi, là où flottent les émotions, etc... Il doit imaginer qu'il est isolé des autres comédiens dans sa sphère lorsqu'il joue. Il travaille ses émotions à l'intérieur, retrouve ses souvenirs, se change profondément pour cesser d'être un acteur et devenir Hamlet, Sganarelle, Estragon.
2-La sphère de la scène, qui aide le comédien à perdre la conscience du public, l'angoisse et tout, c'est là qu'il va jeter les émotions malaxées dans la première sphère, et recueillir celles de ses collègues, interagir, etc...

ça peut sembler étrange là mais finalement c'est assez concret, parce que sinon dans le genre space il y a Valère Novarina qui explique que le texte est une matière (la matière, la sécrétion hormonale du langage est un de ses thèmes récurrents) que l'acteur malaxe et façonne comme de l'argile, c'est au-delà de l'intention, car les textes que Novarina donne à ses acteurs n'ont aucun sens concret, il n'y a pas d'intrigues, pas de relations entre personnages (c'est d'ailleurs assez indigeste à lire ou à voir pour la première fois), le texte c'est ce que l'acteur crache, sort de lui-même, je crois qu'il parle même de vagin à un moment, l'acteur doit se servir du vagin de l'intérieur de lui-même pour ingurgiter, régurgiter le texte.
Pour l'anectode, Dominique Pinon dans L'Origine Rouge récite un théorème d'algèbre de trois pages à une vitesse proprement hallucinante, et il n'est pas ennuyeux une seconde. Selon Novarina lui-même, il se torturait tellement lui-même à retenir le texte que tout le monde pensait qu'il aller frapper quelqu'un avec sa chaise pendant les répétitions!

Bon bien sûr ce sont juste des références théâtrales mais il y a aussi le cinéma...

Bref, être acteur c'est effectivement être au-delà d'une imitation d'un comportement, un acteur doit savoir jouer une émotion qu'il n'a jamais ressenti (enfin, un bon acteur, essayons de commencer petits ) et comme disait l'autre il faut essayer d'ouvrir, de montrer quelque chose au public, de créer et de ressentir ce fil qui nous relie aux gens dans la salle, qui fait que ce que nous montrons (ceci est une chaise) sera, pour le spectateur, une chaise, quand bien même on montrerait une table...
D'ailleurs les metteurs en scène disent toujours "tu es" quand ils expriment ce qu'ils souhaitent aux acteurs, jamais "ton personnage doit être joué comme". Rentrer dans le personnage, comme dans l'Agence Tous Risques quand Hannibal Smith se déguise en monstre du lac: "mes motivations c'est quoi?"

Après à chacun de trouver sa technique: avoir les pieds dans le sol comme les chanteurs, pour ressentir la terre, ou a contrario se focaliser sur le ciel, l'ouverture à l'infini, penser à tout autre chose pendant le texte...
Mais il est clair quand dans l'audio, seul devant son micro, de façon défragmentée, cela demande un travail et une concentration extrêmement intenses
Et si vous êtes créateur et que vous avez refilé votre texte à plusieurs acteurs, essayez de les réunir sur Skype par exemple, pour tenter de les diriger, rien ne saurait plus les aider!

Kid : Alors là chapeau ! Dis moi, Kid, tu serais pas des fois en option de détermination théâtre au lycée ? Parce que tout ce que tu dis sur Stanislavski et sur Novarina, j'allais le dire, comme je l'étudie également. Je suppose donc que tu as vu le fameux documentaire sur Novarina ponctué d'extraits de l'Acte inconnu et d'autres pièces comme l'Origine Rouge avec justement le passage des trois pages d'algèbre.

Je me permettrai d'ajouter quelque chose encore à ton propos, au sujet de la conception novarinienne de l'acteur, à laquelle j'adhère personnellement sur certains points.
Il s'agit d'un avis purement personnel, je comprends qu'on puisse ne pas être d'accord.
Le propre de l'acteur est principiellement dans la désincarnation, ou plutôt la désadhésion. Quand on est acteur, il y a l'idée d'effacement, de laisser le texte et le langage nous investir et parler à travers nous, ce qui correspond à la conception de l'acteur-marionnette.
Alors maintenant, la différence avec Novarina, c'est que l'on cherche dans le milieu sagasphérique un jeu mimétique qui suggère suffisamment la situation jouée, je voudrais d'ailleurs prochainement tenter de casser cette convention en essayant d'y amener quelque chose du théâtre de Novarina, notamment dans la parole qui y est centrale, mais cela ne change en rien la donne : Dans tous les cas l'acteur est travaillé par une chose et son contraire, c'est-à-dire le hasard et la nécessité. On doit en tant qu'acteur à la fois se jeter dans le travail sans aucune espérance, ni aucune attente particulière, juste avec le comportement têtu et obtus que peut avoir un animal, dans le sens où il éloigne de toute sphère psychologique et nous inscrit dans le concret, sans préméditation (préméditation qui est souvent à l'origine de ce qu'on appelle le jeu mécanique auquel personne ne croit), et à la fois rester ouvert et disponible à la contingence et le caractère unique du moment où il joue, où tout peut se produire, ce avec quoi il doit pouvoir jouer.

Quand on est derrière son micro c'est plus "facile" puisqu'il y a justement une dimension de préméditation au sens général : la saga mp3, comme le cinéma sont des arts spectaculaires prémédités, on peut toujours recommencer une prise ou une phrase, le tout se joue après mixage et publication. Pourtant, le principe reste fondamentalement le même : si on recommence trente-six fois une prise parce qu'elle ne nous plaît pas, on finit par ne plus percevoir, et juste à imiter ce qu'on a précédemment fait, dans l'espoir de le faire mieux (à ce moment là mieux vaut laisser de côté, puis y revenir avec spontanéité). A ce compte là, être derrière son micro est plus difficile, puisqu'on n'a aucun rapport à l'espace, à "l'ici et maintenant", juste à une parole intemporelle. C'est sur cela qu'il faut donc concentrer son effort, à l'image de Novarina lorsqu'il fait évoluer ses acteurs sur les planches.

On dira bien que dans la sagasphère, tout le monde est plus ou moins amateur et que l'on n'est pas des acteurs professionnels...Est-ce une excuse pour ne pas faire l'effort de se perfectionner ? En tout cas, c'est compréhensible dans la mesure où effectivement certains "préceptes" de l'acteurs nécessitent pour lui un travail constant et étendu sur lui-même, alors que les sagas mp3 correspondent plutôt à un passe-temps qui peut très vite s'éclipser. Néanmoins, on peut retenir quelque chose de cela, c'est que le jeu d'acteur comprend une dimension de spontanéité, d'immédiateté*, mais aussi de détermination, de "jusqu'au-boutisme" (c'est-à-dire d'aller épuiser une proposition de jeu qu'on fait pour tel personnage par exemple, d'aller aussi loin que possible) ce qui implique une grande concentration. Et cela n'est pas uniquement valable pour de quelconques sagas dites "sérieuses", hein ! Même dans le comique, il faut faire preuve de concentration. Pour se montrer maladroit, l'acteur doit être très adroit, il y a un travail pointu chez la plupart des acteurs comiques et des humoristes, croyez-le. Louis de Funès, pour exemple, était certes un grand comique mais uniquement dans ses films, regardez donc une interview de lui, ça respire la joie de vivre ! Le comique était pour lui le lieu d'un travail précis, pas d'un divertissement. C'est en cela qu'acteur et spectateur sont fondamentalement différents, l'un ne perçoit pas la même chose que l'autre, et c'est pareil pour le créateur de sagas mp3 et l'auditeur.

Je termine d'ailleurs en citant Aristote dans la Physique (II), qui lui est pourtant très axé sur la mimétique du jeu d'acteur, mais dont les dires sont malgré tout intéressants en l'occurence :

La seconde partie de la phrase est en effet la plus intéressante, la plus nécessaire si j'ose dire. L'imitation seule ne mène à rien d'autre qu'à l'automatisme, c'est le fait de s'approprier ce que l'on veut imiter et d'y donner du sens qui y insufle ce "quelque chose qui fait toute la différence".
Et croyez pas que je baratine juste pour me rendre intéressant, c'est très important de savoir cela.

*C'est pour cela que c'est souvent mieux d'apprendre son texte plutôt que d'y jeter un oeil vite fait et le jouer phrase par phrase, j'en ai fait l'expérience, quand on connaît les mots, et je dis bien les mots, pas les émotions qu'on voudrait y coller, on peut en faire ce qu'on veut et arriver à l'improviste devant son micro pour les jouer en plein disponibilité (car dans le cas contraire, on a souvent l'esprit occupé par le besoin de retenir la phrase)

J'en demandais pas tant, non plus

Merci ! Merci d'avoir dis ça ! Merci beaucoup mon cher Gambitux.
Ça va me permettre d'enfin pouvoir intervenir sur ce topic, ce que je n'osais pas vraiment avant.

C'est bien beau de faire de longs posts contenant énormément de théorie, de citations, de je-ne-sais-quoi montrant qu'on connait son sujet et qu'on a travaillé/étudié dedans, mais j'ai l'impression qu'on oublie le plus important.
Tout les posts au dessus de celui-ci m'ont paru très intéressant et agréable à lire. Bien loin de mon écrit "parlé" de piètre qualité.
Mais... je n'en ressors absolument rien.

Il faut vivre son personnage. Tout le monde connait cette expression, tout le monde. Bien, et ?
Ce que j'aimerai c'est qu'on me dise comment, qu'on me guide, qu'on m'aide à le faire. Dire "il faut faire ça" sans donner de conseils pour l'appliquer, n'est-ce pas un peu inutile ici ?
Oui c'est intéressant tout ces discours, mais l'objectif ici est de nous aider nous, acteurs de sagas mp3, à nous améliorer.
De la théorie oui, mais il faut aussi pouvoir la pratiquer ensuite. Et ça manque terriblement à ce topic à mon avis.

Le seul vrai "conseil" que je ressors vient de Kid, qui dit qu'il faut parfois avoir réellement vécu une situation pour pouvoir la retranscrire. Après, cette technique de faire mon nudiste dans la rue pour pouvoir jouer une expression ne me satisfait pas vraiment, mais après c'est personnel.
Sinon, je n'en ressors juste rien d'utile. De théorique, oui, plein de choses. De réellement utile, non.

Il y a bien "N'imitons pas les sentiments", mais c'est comme "vivre son personnage", ça n'aide pas plus que ça malheureusement...

Peut-être que je me trompe. Peut-être qu'en fait, vous avez dévoilé de nombreux conseils pouvant plus ou moins aider à améliorer notre jeu. Mais si c'est le cas, ceux-ci sont noyés dans ces kilos de théories. Faites les ressortir, que ce soit utile.

Tout cela m'a l'air trop technique à mon goût^^

Dites-moi, vous rappelez vous de vos jeux de rôles lorsque vous étiez gosses?

Je m'explique: étant tout petit, nous avons tous touché de près ou de loin aux histoires avec des héros, des méchants, des aventures, etc. ( les disney par exemple^^).

Et là, pour certains, on avait envie d'être ces héros, qui combattaient ces méchants, et qui sauvaient les princesses ou même leurs amis/ leur famille.

Alors, commençait pour ces enfants la période "jeu de rôle infantile": entre copain, l'un était désigné pour être le héros, l'autre le faire-valoir, un autre le méchant, la fille (généralement) la princesse. Ensuite, ils se déguisaient, et ils jouaient. On pourrait dire qu'ils imitent ce qu'ils ont vu dans les films, mais un gosse déborde d'imagination: il n'a aucune peine à se prendre pour Aladdin ou Harry Potter.

En tous cas, c'est comme cela que je base mon jeu d'acteur (avec les cours de théâtre au lycée, j'ai travaillé ma diction^^), en me rappelant qu'avant tout, je suis un gosse qui veut jouer . Puis vient la pratique, l'imitation de l'enfant se transforme en jeu d'acteur bien spécifique ( un acteur ne peut pas tout jouer, selon mon avis).

Après la théorie, les études par Stanislavski ( c'est très bien ce qu'il écrit, mais il fait partie de ces gens qui veulent tout complexifier et je ne suis pas pour: c'est limite si le théâtre est considéré comme un noble art reservé à une élite. Shakespeare a bien dit que nous étions tous acteurs, quoi que nous soyons^^) me semblent vraiment pas obligé pour construire un jeu d'acteur. Avant tout, c'est la pratique

Donc, après ce looooooong article, voilà mon conseil: vous êtes des gosses dans l'âme! Vous vous amusez! Pas la peine de se compliquer la vie avec les figures de styles^^

Et si on vous dit que que votre jeu d'acteur n'est pas bon, travailler cela par la pratique, et non par la théorie ( je ne la renie pas, mais la théorie ne sert qu'a comprendre le jeu d'acteur, c'est un plus seulement).

C'est là le problème des théoriciens de théâtre que nous avons cité... Difficile de rentrer dans du concret avec eux!
Ce n'est pas comme un sport où tu dois savoir exécuter tel geste pour que la balle parte dans la bonne direction, tu te retrouves avec un mécanisme imagé qu'il faut assimiler, c'est comme avec Novarina "le langage est une matière" ça ne veut concrètement rien dire, et pourtant ses acteurs captent le truc...
C'est effectivement assez compliqué ^^

Après, on a la base: parler fort, se lâcher, projeter sa voix, son intention, vers un point (en l'occurence vers le micro, ça sera un bon début ^^ ), privilégier une respiration abdominale...
Ensuite, version Stanislavski, essayer d'aller chercher au fond de soi-même, réfléchir à ce que nous avons vécu, ressenti, qui correspond à votre vision du personnage. Un personnage se définit effectivement par un caractère précis etc mais on peut choisir d'interpréter un méchant avec de l'intériorisation de la colère ou avec de l'exubérance, on peut cabotiner son personnage ou le faire très sérieusement en réfléchissant chaque geste, etc... Mais souvent l'interprétation se nourrit de nous-même, de notre caractère, il faut essayer de recueillir en nous tout ce qui nous permettra de construire le personnage et le travailler, travailler ses émotions pour l'apporter à notre interprétation.
En gros, quand on apprend le texte, quand on travaille son personnage, il faut un maximum penser à ce que nous avons vécu qui correspond à ce personnage, imaginer qu'il aurait vécu la même chose et comment cela l'aurait affecté quoi, comme l'auteur du scénario quand il écrit.
La remarque de Bohort est tout à fait à propos: on est comme un enfant qui joue, le gosse n'est pas dans l'imitation il y croit à fond, et l'acteur aussi doit croire complètement en ce qu'il joue pour trouver la bonne intention, le sens juste. Comme je le disais, s'il est persuadé qu'il est un chevalier, même habillé en femme, il jouera le chevalier, le corps, la voix, le visage trouveront le chevalier.
C'est peut-être pas le meilleur exemple mais l'acteur de Twilight disait que pour faire son rôle de vampire emo(phile?) il s'était éloigné pendant deux mois de tous ses proches, passant ses journées dans le silence et l'introspection, ce qui a donné ce personnage intériorisé, etc... Bon je ne suis pas un grand admirateur de sa prestation, mais l'idée ne me parait pas mauvaise

Après Novarina... C'est encore différent. C'est space. A moins d'écrire une saga mp3 parfaitement absurde et déconstruite, c'est assez hors-sujet, c'est un jeu qui est au-delà du sens, au-delà de l'intention, des listes interminable de mots, la plupart inventés par l'auteur, ou des phrases obscures et parfois absconses ("la commission de l'humanité de l'homme confirme que la machine à intérioriser l'homme à l'intérieur de lui-même est humaine).

Enfin bref pour conclure moi je ne dirais pas qu'il faille devenir Hamlet, ou Gloomy, ou Bond, mais que Hamlet, Gloomy, Bond doivent devenir nous. Et allez, encore une phrase qui ne veut rien dire!
Et pourtant
En construisant son personnage on l'amène à se calquer sur nous-même, sur nos sentiments personnels, c'est pour ça que Cyrano de Bergerac est censé avoir la vingtaine mais reste aujourd'hui interprété par des quarantenaires avec une grosse expérience, parce qu'il a un éventail d'émotions, il demande une construction extrêmement touffue.

Après, ça s'applique pendant l'enregistrement, mais le meilleur conseil que je donnerais, c'est que l'auteur et le réal briefent les acteurs, le mieux c'est d'essayer de les réunir au téléphone ou quelque chose comme ça et de les faire répéter, leur donner l'intention qu'il faut, débattre avec eux. Bien dirigé un acteur (s'il est bien choisi, aussi) n'a aucun mal à se construire.
Après, ma technique d'avoir froid était peut-être un peu extrême mais pourquoi pas? Il est plus facile de jouer celui qui a froid quand on a vraiment froid.
Mais on est là pour déconner. Pas obligé de lire une tonne de théorie avant de jouer deux répliques, d'autant que le meilleur ami de l'acteur c'est toujours l'expérience, les retours, etc. C'est comme ça qu'on trouve la technique qui nous corresponde, et après, tant que c'est bien exécuté, peu importe comment on a fait finalement.


Est-ce que j'ai réussi à rester clair?

Je comprends la frustration de Ark et j'en suis bien désolé

Cela me fait me rendre compte qu'il est très difficile d'expliquer par des mots sur un forum la nécessité d'utiliser l'énergie de l'émotion et non l'imitation pour crédibiliser son jeu d'acteur. Néanmoins, je pense qu'avec de la pratique (le mieux étant avec un professeur, mais c'est comme tout) et de l'écoute attentive d'un jeu d'acteur qui nous plait nous permet d'essayer de comprendre tout ça.

Je vais essayer d'expliquer ça autrement. Je ne suis peut être pas le mieux placé du forum mais je vais essayer.

Oui comme me le disait Eric Legrand, enregistrer debout est une nécessité pour les novices. Vos personnages sont debouts ? Si vous n'avez pas de problème particulier de santé, alors enregistrez debout!

Mettre de l'énergie et des émotions : oui ! Toute proportion gardée, évitons de surjouer une émotion. Le but est que le comédien mette l'émotion adéquate sur ses cordes vocales, bien dosée. Point trop n'en faut. Sauf pour une parodie...

Pour en revenir à l'immersion. Ce point là est effectivement essentiel.

En fait, la saga mp3 permet à tout à chacun de jouer une histoire audio. Le problème c'est que la majorité d'entre nous ne sommes pas des comédiens, nous n'avons pas fais de comédie, et il est normal que nous ayons (majoritairement) le mauvais réflexe d'imiter un état d'esprit et non de le vivre. Alors forcément, des faiblesses se ressentent dans le résultat du jeu d'acteur. C'est une erreur normale de débutant.

Il n'y a pas de secret : on ne s'improvise pas comédien du jour au lendemain, y compris de saga mp3.

D'après moi, ce qui va aider les "novices" à devenir LE PERSONNAGE DÉSIRÉ ce sont leurs qualités innées de répartie, d'imitation d'un "faux" état d'esprit, d'improvisation.

Je m'explique, l'imitation ce n'est pas seulement vous prendre pour la voix de Jacques C. ou de Éric C. comme le font les humoristes à la radio. C'est aussi, vous savez, lorsque vous vous amusez avec des potes à vous chamailler, à faire semblant d'être énervé, quand vous chambrer un pote, vous le faites marcher et il ne percute pas que vous le faites marcher, ou lorsque vous draguez une demoiselle et essayer de la convaincre d'une chose pour de "mauvaises" raisons. Si vous arrivez au but fixé, normalement c'est que vous avez été convaincant dans votre jeu d'acteur.

Cette expérience là, cette répartie là, ce bagou, est un plus indéniable pour commencer à faire illusion dans les saga mp3. C'est l'essence des comédiens (et des vendeurs).

Cette expérience se renforcera avec le temps, avec les rôles que vous jouerez. Plus vous jouerez fréquemment une certaine émotion, un certain archétype de personnage, mieux vous jouerez cette émotion, cet archétype.

A ce niveau là, c'est un savant mélange entre vos qualités innées, votre potentiel, votre persévérance et votre capacité à vous investir sérieusement sur un rôle en particulier : à travailler vos rôles.

Après c'est à vous de faire les choix adéquats pour parvenir à vos fins.

Nous avons tous une ou plusieurs émotions, un ou plusieurs archétypes de personnages dans lequel nous paraissons plus crédibles.

C'est quelque chose qui est certainement lié à notre vécu personnel, mais aussi aux films ou séries dont nous nous sommes nourris enfant, adolescent, adulte... tout du long de la vie.

La personne qui se nourrit au western depuis 10 ans aura plus de chances d'avoir des facilités à jouer un cowboy, un indien, un voleur... qu'un amateur de roman à l'eau de rose. Alors ce ne sera pas forcément tous ces archétypes cités, mais au moins un, ou deux.

Si vous voulez commencer à interpréter un rôle, n'essayez pas tout de suite d’interpréter celui que vous idéalisez aujourd'hui mais celui que vous avez le plus aimé, regardé, écouté, lu depuis ces 10 dernières années. Ce sera sûrement plus simple pour vous. Les résultats devraient être plus concrets qu'un état d'esprit méconnu ou dont votre idéal diffère de l'idéal commun.

Si vous êtes du genre impulsif, il n'est pas idiot de vous enregistrer sur un petit rôle d'impulsif, sur une scène où vous aller mettre en avant cette émotion. Ceci dit, le résultat n'est pas garanti. Généralement, c'est soit "bon", soit "mauvais". Les cordonniers ne sont pas les mieux chaussés comme on dit.

Si vous êtes vendeuse en boulangerie, vous ne serez peut être pas à l'aise à jouer une vendeuse en boulangerie devant un microphone. Et au contraire, d'autres le seront très bien. Mais généralement, on ne prend pas trop son pied à jouer ce qu'on est 40 heures par semaine. Et ça, ça risque de s'entendre, de sonner faux dans votre jeu d'acteur. Crédibles ou pas crédibles dans notre propre rôle, intrinsèquement le manque de plaisir à jouer ce rôle va vous faire défaut tôt ou tard. Outre l'émotion du personnage, votre envie d'acteur à y parvenir est important, vous devez y penser avant de jouer ou pendant vos répétitions mais une fois le micro ouvert vous devez oubliez votre condition de comédien pour épouser votre condition de vendeuse en boulangerie. Sans expérience, il faut se documenter, observer sur le terrain si possible.

Disons que pour un résultat rapide, je ne saurai trop conseiller de tester d'abord la sincérité de :
- vos émotions, celles que vous êtes au quotidien
- votre personnage, la personnalité que vous êtes au quotidien
- vos émotions fantasmées, celles que vous rêvez depuis tout petit dans les médias (souvent vous avez une scène précise, retrouvez-la, copiez-la, travaillez-la, devenez-la)
- votre personnage fantasmé, idéalisé, celui du moment (idem)

Puis, que vous ayez trouvé ou non votre émotion, votre archétype, essayez toujours d'élargir vos compétences à d'autre émotion, d'autre archétype. Le comédien doit tout de même savoir jouer plus d'une seule émotion. En prenant le temps. En les retravaillant souvent. Choisissez la suivante et concentrez votre énergie à l'apprivoiser devant votre miroir par exemple puis seulement après devant un microphone.

Bien sûr, une fois que vous connaissez vos points forts, vos points faibles, que vous avez commencé à les travailler assidument depuis quelques semaines, avec ET sans microphone. Lancez-vous, de préférence, dans un petit rôle, un second rôle, vous y gagnerez en maturité, en notoriété. Il est probablement plus simple d'être excellent pendant 10 secondes que constamment excellent sur un premier rôle qui court pendant 10 minutes.

Je ne dis pas que vous apprendrez moins si vous vous lancez directement dans l'écriture, l'interprétation de 36 rôles à la fois, du montage, mixage etc... c'est certes une solution qui va vous permettre d’engranger de l'expérience. Mais les résultats risquent d'être globalement décevants dans un premier temps et vous vous en ressortirez peut être grandi avec seulement 2-3 rôles (5-6 si vous êtes chanceux) sur les 36 du départ car ceux là seront pas trop mal interprétés d'après les avis extérieurs que vous obtiendrez. Peut être aussi de la déception et du dégout envers ceux qui vous ont critiqué. N'oubliez pas que même des "grands acteurs" se tirent dans les pattes une fois la caméra coupée... pas tous, mais comme partout, pro ou novice. Donc relativiser et travailler seul ou avec quelques personnes sur quelque rôle et émotion en particulier.

Je vous conseille d'avancer pas à pas, progressivement sur une émotion et d'enrichir votre répertoire sans vous précipiter. Travaillez les émotions une par une, les rôles un par un. Même les acteurs professionnels ne jonglent pas simultanément avec plus de 2-3 rôles à la fois. Ils passent souvent d'un rôle à l'autre, d'un film à l'autre, une fois que les deux films sur lesquels ils travaillent durant les 6 prochains mois soient bouclés. C'est rare qu'un pro chassent plusieurs tournages à la fois sans en avoir fini un avant d'en commencer un autre. C'est rare qu'un pro tournent plusieurs scènes (de différente émotion) en un laps de temps.

Je vais me répéter (C'est du martelage xD) : Voyez pour travailler et interpréter 1 rôle secondaire avec 2-3 émotions dominantes ou 2 petits rôles d'une émotion chacun. Votre ambition aura tout le temps de s'exprimer après avoir acquis cette base avec succès.

Et l'écriture là dedans ? Les créateurs de saga mp3 sont par définition, historiquement, multicasquettes : scénariste, comédien, monteur, réalisateur, marketeur, etc.

Seulement voyez comment était leur v1 à leur début,, comment ils ont galéré. Vous verrez qu'ils ont mis plusieurs années avant de maitriser leurs "points forts", leur saga, leur produit ; voyez et comprenez pourquoi même des créateurs aujourd'hui très corrects font une v2 quelques années après leur v1.

Pourquoi ? Outre leurs qualités innées, ils ont du engranger de l'expérience pour devenir créateur. Rares sont les créateurs qui dès leur sortie de l'anonymat sont devenus créateurs appréciés du net. Certains ont surement bosser dur dans leur coin pendant un an ou ont suivi une formation d'ingé-son... C'est sûr que la vendeuse en boulangerie que vous êtes aura moins de chance de rivaliser en tant que créatrice dans l'immédiat. Avec du travail par contre...

Par contre, vous verrez que ceux qui roulent leur bosse depuis quelques années dans leur domaine bien précis ont acquis modestement leur public, sont devenus leurs rôles, sont devenus crédibles. Pourquoi? Parce que ces gens là s'exercent depuis quelques années sur leurs rôles. CQFD.

Il n'y a pas vraiment de règles, mais admettons que si dans 5 ans vous avez l'occasion de conseiller le vous d'aujourd'hui... Ne pensez-vous pas que vous vous conseillerez de vous perfectionner sur tel ou tel point bien précis et non de vous disperser sur une foultitude de rôles et de fonctions ? Ok, reste à savoir lesquels

La saga mp3 semble très facile et très accessible de prime abord, elle peut nous permettre d'assouvir n'importe quel fantasme très rapidement par la liberté qu'elle offre avec le peu de moyens apparents nécessaires par rapport à un film ou une sérié télé par exemple. La création est un art à la fois inné et difficile car il s'acquiert avec l'expérience. La saga mp3 n'est pas une exception.

Zidane nous l'a déjà dis : d'abord la jambe gauche... ^^

J'espère avoir pu faire avancer le Schimilimili...

Voilà, bon courage en tous les cas !

J'ai chambré (gentiment) Tibekamer pour avoir pondu une grosse tartine sur l'écriture de scenario, comme je le fais (parfois) quand Javeldose se lance dans une diatribe dont il a le secret.
Je vais le faire ici aussi.
Franchement : qui espérez-vous interesser dans la sagasphère avec des posts aussi longs et théoriques ? Ceux qui s'interessent au théatre et qui ont déjà cette base ? Ou ceux qui en ont vraiment besoin ?
Je ne remets absolument pas en cause la pertinence de vos écrits. Mais en fait j'ai, comme probablement bien d'autres décroché après le deuxième ou troisième paragraphe et lu le reste en diagonale.
Le premier post était clair, la suite ne fait qu'embrouiller/embourber les choses malgré deux-trois phrases pertinentes, malheureusement noyées dans le reste.

Dommage, parce que ça va rester lettre morte.

Non mais tu as tout à fait raison, comme l'a dit Kid plus loin, c'est difficile de mettre des mots qui soit absolument clairs, comme le travail est quelque chose qui se fait en grande partie à l'intérieur. Personnellement, je pense que l'idée de faire un tutoriel sur le jeu d'acteur en ce sens pourrait être intéressante, si j'en trouve le temps, ça m'intéresserait, mais je doute que ça puisse éclairer en ce qui concerne tout ce qui relève de la subjectivité de chacun. Pour prendre un exemple bateau, si je te dis : "Fais le vide en toi", tu ne percevras pas cela de la même manière que moi, tu ne le vivras pas de la même manière. Donc en effet, je crois que ce serait bien de formaliser ces explications un peu nébuleuses en termes pratiques, mais après le travail à faire sur soi, on peut difficilement le guider.


Certes non, il n'y a aucune obligation. C'est juste que ça aide à mettre des mots sur ce qui se fait en général au feeling et à diriger nos attentes et notre travail en fonction de ce qu'on cherche. Si des gens ont écrit dessus, c'est bien pour cela, pas pour se rendre intéressant, ils sont donc une ressource potentiellement intéressante pour l'amateur, mais en tout cas absolument indispensable pour le professionnel (les Correspondances d'Artaud, par exemple, c'est presque une Bible pour le comédien dans le domaine du théâtre). Il ne faut pas le faire, ce n'est pas une obligation, mais en tant qu'amateurs, si on tend vers un peu plus de professionnalisme, il arrive un moment où l'on se trouve en demeure ne serait-ce que survoler le B.A.-BA de l'acteur. C'est ça que je veux dire.


Je disais ça personnellement. C'est certes très concept mais c'est porteur de sens. En effet l'on pense tout de suite à une saga complètement déconstruite et insensée, mais c'est tout simplement parce que le concept d'histoire à raconter n'existe pas chez Novarina. Chez lui c'est toute la force de la langue qui prime : coup de bol, en saga mp3 on n'entend quasiment que la voix, ce qui est déjà une bonne piste. Resterait à voir comment on peut adapter cette conception du langage hors du plateau théâtral.

Spike : Je vois ce que tu veux dire, mais à ce moment là n'insiste pas tant sur l'inné que sur l'acquis. Je suppose que celui qui décide de se lancer dans la saga mp3 aura déjà un goût pour le jeu et, s'il n'est d'abord pas à son aise dedans, aura déjà envie de réussir. En général, quand on n'a aucun don particulier c'est que l'on n'y est pas tellement sensible que ça.


Oui, mais Blast, faut quand même pas que cela devienne une excuse pour ne pas réfléchir. Je veux dire, quand on part dans ce genre de considérations, on arrive inévitablement à une discussion qui peut être communément qualifiée d'ennuyeuse. Le terme "être dans son personnage" est une considération très vague que Jay s'est proposée d'expliquer, je pense personnellement que si on s'interdit d'aller au fond des choses, on reste dans une dimension vague par rapport à la question du jeu d'acteur. D'accord, le feeling c'est très bien, il n'y a même QUE ça dans la pratique, mais essayer de mettre des mots sur ce qu'elle englobe n'est pas un mal non plus, au contraire. Les références ensuite, c'est surtout pour appuyer le propos, pour pas tomber dans l'affirmation de vérités générales.

Je ne suis pas d'accord avec toi Ark. Ces posts, certes très théoriques, m'ont quand même apportés de nombreux conseils. Ils ne sont pas donnés explicitement mais ils sont quand même présents. Par exemple, le fait d'apprendre son texte pour qu'il devienne naturel est évident maintenant mais je n'y avais jamais pensé avant.
De plus, la théorie est surement plus présente dans les textes cités que dans ces explications.

[mode baroudeur on ]
Okay, alors en tant que baroudeur du mp3 et de la déclamation, j'apporte ma pierre à ce débat masta théorique (et je le fais en écrivant comme un illettré dont le champ de blé se prend pour mercure et fera pâlir de jalousie le plus grand des Germains). Cette phrase pourrie et entre parenthèse étant dite, passons au truc qui intéresse les gens: comment jouer?

1°) Je ne prétends pas détenir un secret absolu, c'est juste des "tricks and tips" qu'on m'a appris et que j'ai appliqué/refilé à d'autres
2°) Il se peut que ça ne marche pas avec vous


Comme d'habitude, résolvons ce problème de manière analytique (fait rigolo étant donné que je me suis fait pwned à mon examen d'analyse...).
Première question: quel matériel est à notre disposition:
- Un micro
- Un texte
- Un mec qui aime bien Naheulbeuk (je schématise, hein!)

Deuxièmement: qu'est-ce qui va faire que cette scène est crédible? ... je n'ai pas de réponse malheureusement mais j'ai des réponses sur ce qui fera qu'elle ne le sera pas.
- Si le son est dégueulasse ou plutôt s'il n'est pas en phase avec le reste du contenu audio, on ne croira pas à la scène. Donc, maîtriser votre technique (enregistrement et post prod, c'est essentiel).
- Le dialogue sonne faux (deux raisons: 1°) C'est mal écrit, 2°) vous jouez mal).

Le premier point à résoudre, c'est de bien vous dire qu'en tant que comédien amateur, vous avez intérêt à commencer par des dialogues simples (et oui, ça n'est pas donné à tout le monde de savoir réciter "Le Lac" de Lamartine ou "La madeleine" de Proust (et non pas de Brel)). Beaucoup de saga se cassent la gueule parce que les textes sont trop compliqués pour les acteurs.
Bref, revoyez vos textes, éventuellement adaptez-les à vos acteurs.

Si vous vous sentez apte à attaquer des dialogues plus "hard", il va falloir travailler votre jeu. Il est clair que dans ce cas-ci, vous n'arriverez plus à faire votre texte en lecture si vous voulez qu'il soit empreint d'un personnage.
Personnellement, quand je joue un perso sérieux, je prends une voix calme et posée de dépressif/BG et on se tape le texte en lecture. Pourquoi ça marche? Parce que le texte était simple (il arrive que je découvre le texte en lecture) et parce que j'ai du background de récitant.
Il m'est aussi arrivé de tomber sur des textes qui ne sonnaient pas (ou que je n'arrivais pas à jouer). Deux cas: soit on bâcle, soit on réécrivait le texte (Zylaaaaaann! ).
Enfin, rien ne vous obligent à coller au texte (si ce n'est un jeu de mots). Vous pouvez donc improviser tout en gardant le sens, ça fera gagner en naturel (sauf si le but n'est pas de faire du naturel).


Parlons maintenant du personnage travaillé et du texte qui l'est tout autant. Pour réussir à rendre ce personnage crédible, vous devez vous lâcher, être lui (dieu que cette phrase est laide ). Vous devez du coup connaître tout son background et savoir comment il réagirait dans telle ou telle situation. Encore une fois, le soucis, c'est que vous n'avez pas écrit le texte (vous jouez pour un copain, etc...).

Pour ce qui est des émotions, c'est simple, revivez des moments de votre vie qui correspondaient à ces émotions. Le perso est humilié? Quand l'avez-vous été? (évitez de penser au côté rigolo de la chose, avec le "après coup, c'était drôle en fait").
ex: Le perso apprend que sa grand-mère est mort. Comment l'avez-vous ressenti quand on vous l'a dit? Qu'avez-vous ressenti devant le cercueil (ou à la morgue)? Comment le ressentiriez-vous pour votre deuxième grand-mère? (ces questions sont rudes mais c'est un exemple frappant et simple à imaginer).


Passons enfin aux autres tricks qui marchent bien:

- La méthode Schnouk: enregistrez réplique par réplique et faites le montage en même temps. Vous serez plongé dans la situation et répondrez directement à votre interlocuteur.

- La méthode Krak': Faites-vous dirigé sur skype (ou dirigez sur skype). Ça vous permet de poser le décors de chaque scène à votre acteur et de lui donner la réplique. La scène sera plus réaliste qu'en faisant l'enchaînement des phrases dans le vide.

- La méthode du ninja de l'enregistrement: Offrez-vous un freestyle lors de l'enregistrement. Pensez au fond du texte puis improviser sur le sujet tout en gardant quelques bribes de phrases clés ("chaussures dégueulasses!"). Vous n'en serez que plus convaincant mais là, c'est le personnage qui sera empreint de l'acteur et pas l'inverse.

- La méthode du mec quelques posts au-dessus (Kid ) : Mettez-vous dans la situation! (Flo faisait pareil: il devait jouer un étranglement, il s'est étranglé et quand il est revenu de l'hôpital, son enregistrement était top).

- La méthode de l'imitateur: trouvez les gimicks du perso et essayez de trouver des héros de films/théâtre, etc... auxquels ils correspondent et imitez-les. Ça vous donnera une base de travail à ensuite teinter de votre personnage.

- Réécrivez le texte (avec accord du scénariste).

- Vivez le perso. Imaginez la scène entièrement.

- Ecoutez de la musique correspondant à votre scène avec un casque fermé afin d'être "au cinéma". (testé récemment, ça claque comme méthode).

- Associez un comportement animal à la scène/au personnage puis inspirez-vous de ce dernier.


Je pense que j'ai donné tous les tricks (en plus du "levez-vous", "souriez", etc...).


En clair: LACHEZ VOTRE TEXTE!! ET JOUEZ!!

[/mode baroudeur]

PS: Le théorique, c'est pour ceux qui n'expérimentent pas (ou qui ont trop expérimenté et ont tenté de généraliser à mort).