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J'ai le droit de ne pas jouer l'optimiste inconditionnel?

De mon expérience (et ce n'est pas énorme) ou plutôt de mes observations j'ai surtout l'impression qu'il existe 2 catégories d'acteurs amateurs:

-Ceux qui réussissent presque au premier essaie
-Ceux qui sont potable avec beaucoup, beaucoup de travail et qui garde malgré tout un éventail assez étroit de jeu ou une forte base d'imitation.

En fait, je pense que dans le cas de l'interprétation les aptitudes naturelles sont bien plus misent en avant que pour le savoir mixer par exemple (technique hein et pas le côté artistique).

Alors, on peut théoriser, comme pour tout. De plus, je ne doute pas que "réellement" avoir mal peut être utile pour être crédible. Mais certains disposent soit d'une mémoire kinesthésique forte, soit d'une sensibilité à fleur de peau, soit d'une importante aptitude de projection...ect.

Donc quand on est dans le cas des chanceux, expliquer comment on fait revient presque à parler de la couleur des roses à un aveugle...

En fait la meilleur personne pour en parler serait le mauvais acteurs qui a fini par pas trop mal réussir! XD

Krak : C'est bien beau, mais tu ne réponds pas à la question du personnage...tu te répètes même je trouve par rapport à tes tutos ^^
J'ai en tout cas cru comprendre que l'initiative de Jay était d'aller au-delà des affirmations type comme celle du titre du topic, pas de le réitérer ou d'y réduire le travail de l'acteur.
Franchement, je vois pas pourquoi il ne faudrait pas s'interroger sur le jeu d'acteur, même en oubliant toute référence théorique, c'est pas le plus important, le sens prime, plutôt que de réitérer sans cesse les mêmes conseils approximatifs qui n'aident que relativement (attention, je ne dis pas "qui n'aident pas"). Je veux dire, dans le jeu d'acteur, il y a bien une dimension intérieure et spirituelle et à ce titre, il est légitime de chercher à la domestiquer pour aider les comédiens en herbe.
Il y a des tas de théoriciens (et praticiens) qui ont écrit sur le sujet, de Stanislavski à Corvin, et leurs écrits sont de véritables mines. Alors sans demander à quiconque une telle lecture longue et fastidieuse, il serait judicieux tout de même de chercher à formaliser cela pour donner de nouvelles clefs aux aspirants comédiens de la sagasphère.

Istria : Je vois, oui. En effet, la théorie n'est pas tout. En tout cas, ce que je défends personnellement, c'est de chercher à aller un peu plus loin que les simples "préceptes" courants qu'on nous ressort à toutes les sauces mais qui souvent nous mettent au pied du mur sans rien de plus qu'une cuiller pour creuser...

Gambi: Oui et non. La théorie, c'est bien beau si ça peut servir. ici, tu clashes ça à un mec qui débarque, il va juste se demander "Mais WTF??". Pour les acteurs plus expérimentés, ces concepts commencent à devenir accessibles mais ça prend du temps.
Le meilleur moyen d'apprendre à jouer, c'est de jouer en étant dirigé sinon, c'est chaud d'évoluer.

Si je fais un parallèle avec l'écriture de scénario, je dirais que le scénario, c'est un feeling. On l'a ou pas. Et toutes les théorisations et machins possibles ne peuvent que t'aider pour te sortir d'une impasse.
J'ai essayé d'appliquer les méthodes de Roth et de Truby dans l'écriture. Au final, ça me faisait chier. Par contre, quand j'étais en train d'écrire et que je bloquais, penser à tous ces éléments d'analyse (parce que c'est plus des éléments d'analyse que pratique) m'aidait à avancer dans l'histoire et comprendre mes personnages (quitte à devoir réécrire une partie).

Ici, on parle de jeu. Vous, vous voudriez qu'on file un texte à un mec et qu'en citant machin et bidule, il joue mieux. Je suis franchement pas d'accord. T'as pas besoin d'avoir lu machin et bidule pour être un bon acteur. Une fois de plus, pour moi, ça, c'est de la bra*lette intellectuelle qui ne peut servir que dans une impasse ou dans le cas d'analyse. (j'ai lu des énormités dans des analyses de textes ou de films et je reste persuadé que les auteurs ont fait ça pour l'esthétique et pas pour les raisons avancées par les analystes).

Si vous voulez réellement que tout ceci soit applicable, l'enregistrement ne pourrait plus se faire en une demi-heure comme on fait actuellement mais en plusieurs semaine. L'acteur devrait passer beaucoup plus de temps pour comprendre le personnage et chaque scénariste devrait écrire un background complet des persos (et scénariste et réal devront bosser pour construire chaque sphère d'ambiance). Ensuite, le réal bosserait avec l'acteur en compagnie du scénariste pour rendre le tout crédible. Mais là, on est à un autre niveau et on n'a pas le temps.

Alors soit on donne de rapide tricks and tips applicables et qui ont fait leurs preuves (et au fur et à mesure, on expérimente), soit on clashe de la théorie juste imbuvable (comme on fait sur pas mal de topics).

Je rappelle que l'acting et la saga mp3, c'est des trucs purement empirique. Et vu qu'on est loin des sciences exact, c'est impossible à théoriser. Même vos théories là, c'est des tricks qu'on peut adapter ou pas. Et là, vous le rédiger de manière pompeuse (pardonne-moi le terme, je pense qu'il est mal choisi) de telle sorte que seuls quelques rares intéressés liront plus loin.

Ensuite je tiens à dire que l'entièreté du post de Jay (jayxagère bien entendu ) peut se résumer à une phrase: être dans son personnage, c'est VIVRE ce que vit ce personnage.
Et vu qu'on ne peut pas s'enregistrer en saut en parapente, il faut se représenter la scène et la vivre (tiens, j'ai jamais pensé à enregistrer les yeux fermés). Et pour ça, autant donner des tricks.

Parce qu'en tant que noob, si je lis

Je vais pas plus loin dans la lecture.
Alors qu'avec la phrase de Jay, quelques exemples et astuces pour se mettre en condition, je pense que le mec apprendra bien plus ou du moins aura un meilleur rendu. (accessoirement, y a pas de public direct lors de l'enregistrement en saga mp3...)

Ce n'est pas parce que Blast a été englouti d'ennui sous nos théories (qui restent assez absconses, on est d'accord) qu'il est un ennemi de la réflexion voyons!
Après nous essayons d'apporter notre pierre à l'édifice, et il se trouve que cette pierre est celle de cours de théâtres où la recherche de l'intonation ne se faisait pas toujours concrètement, mais par des détours, etc... Et c'est vrai qu'un type qui débarque n'y comprendra rien (c'est vrai que c'est pompeux, ce truc, c'est dingue)...
Oups!
Car finalement ce genre de technique, c'est assez casse-gueule à expliquer, ça peut marcher si on dirige nos comédiens en live, mais pas si on sort "pense à te sphère humaine, Jacques!" Par contre quand on est entré dedans, quand on l'a vu ou vécu, ça rentre comme un couteau dans du beurre...
D'autant qu'au final tous ces trucs reviennent au même point: devenir le personnage, ne plus être l'homme sur scène mais l'encre et papier, derrière le quatrième mur, l'incarnation au micro d'un ambition! ;pousséelyrique;
C'est un affaire de voix, d'énergie, de corps, qui intègre tout un tas d'exercices de yoga, de principes exotiques... C'est trop physique pour être concrètement expliqué, quelque part. Ou peut-être qu'on est des manches, aussi

Bon sang, j'ai tellement de mal à expliciter mon propos...

Si c'est trop théorique pour être compris par le netophonixien standard (j'entends pas là qu'il ne pratique pas de théâtre), pourquoi tous ces post aux phrases si alambiquées? Et d'ailleurs le sujet à la base je ne l'ai pas bien saisi; Velvorn a débuté en définissant une notion, mais je n'y ai pas vu là l'intention d'un tutoriel sur "Comment apprendre à jouer?". Ce topic est-il tombé dans le hors sujet? En éclaircissant cette notion de "Etre dans son personnage", ce topic rejoint des dizaines d'autres topics qui, tous ensemble, permettent de se faire sa propre idée de ce qu'est jouer, comment être crédible etc...

Parce que je me suis laissé emporter
Mais je ne pense pas que ça soit trop théorique. J'essaie de l'expliquer, du mieux que je peux (sachant que je n'ai pas la science infuse non plus) pour que ça reste accessible, parce que j'ai vu des enfants de cinq ans devenir de prodigieux acteurs quand on les confrontait à ces principes (en pratique hein, parce que Stanislavski c'est du velu quand même), quand c'est assimilé c'est excellent, aussi pensé-je qu'adapté à la saga mp3, expliqué à ceux qui ne pratiquent pas le théâtre (que je pratique assez peu aussi, finalement, ce n'est vraiment pas mon centre d'intérêt principal) de façon simple (pas comme ce que j'ai fait, donc) ça peut permettre une impressionnante courbe de progression.

Après, si les posts sont si compliqués, c'est peut-être dû à mon incompétence, je ne sais pas... Pourtant je me bats vraiment pour essayer de rester clair, c'est dommage...

En fait, faut vous décider, les gars, et clarifier l'orientation du topic.
Soit c'est un atelier entre initiés qui a pour but de chercher dans toute cette théorie les deux ou trois trucs fondamentaux qui peuvent servir à la sagasphère, auquel cas, que les passionnés débatent, puis publient leurs conclusions, à l'instar des sujets techniques sur la prise de son ou sur les origines des grésillements dans les enregistrements. Dans ce cas j'approuve ;
Soit c'est sensé être accessible à tous en l'état et dans ce cas je vous confirme que c'est imbuvable pour 99% et plus des membres ;
Soit c'est de la discute entre quelques initiés pour le plaisir de la discute auquel cas, pourquoi pas, mais il y a probablement des lieux plus adaptés (et si accessoirement vous finissez par tourner en rond, vous risquez de voir le topic locké, voire "archivé verticalement).
A vous de voir.

*se jette par la fenêtre* Mais euh !



Excellente idée.

Etant l'initiateur de celui-çi, je vais essayer de redéfinir plus simplement où je voulais en venir :

J'ai voulu mettre en comparaison deux "façons" d'acter :

1) Imiter un ton en se basant sur un champ lexical défini. Exemple :

JACQUES (triste) : Mais qu'est-ce que tu fais ici, bon sang, je t'avais dit de pas venir !

"Très bien, Jacques est triste, donc il faut que j'aie la voix tremblotante, que je plie ma bouche et que je fasse quelques respirations saccadées"

2) Y mettre de l'énergie, se baigner du contexte.

"Ok, Jacques est triste. Pourquoi déjà ? Relisons la scène et les indications du réal : Parce qu'il veut protéger sa fille, et que celle-ci, en dépit de ses mises en garde, n'a pas pu s'empêcher de rejoindre son père qui se trouve dans un moment plutôt malvenu pour l'accueillir en bonne et dûe forme. Il va donc se retrouver dans tous ses états, légèrement affolé, apeuré que sa fille se retrouve mêlée à une situation qui la dépasse. Il va donc se retrouver noyé entre la peur qu'il lui arrive quelque chose, et l'amour qu'il lui porte. Il lui fait d'ailleurs savoir puisqu'il se précipite sur elle, l'embrasse et la serre dans ses bras. Ok. Retroussons nos manches, et faisons comme si c'était moi qui était à la place de Jacques".

Ma réflexion, dans ce que j'ai voulu dire, était que la deuxième solution était beaucoup plus convaincante pour l'auditeur et le comédien que la première, où le comédieni ne fait que se contenter de mettre des mots-clés dans sa façon de jouer puisqu'il a vu le mot "triste" dans la didascalie.

Et c'est aussi à mon sens de cette façon qu'on "se met dans son personnage".

Voilà.

Je le répète, j'en demandais pas tant

Du coup alors :

- COMEDIENS, quelle approche préconisez-vous ? La première ? La seconde ? Une autre approche ? Si vous n'avez pas testé la seconde, est-ce que vous vous sentez à l'aise de tenter ? Si vous l'avez testé récemment, est-ce que ça a changé quelque chose pour vous, votre façon de jouer ?

- REALISATEURS, comment briefez-vous vos comédiens ? Vous leur faites confiance ? Vous leur filez des notes ? Vous attendez d'eux qu'ils donnent vie à vos personnages comme ils veulent ? Ou vous êtes très stricts quant aux caractères des personnages que vous avez créés (bonne terminaison ?) ?

La discussion est peut-être plus accessible comme ça non ? Non ? Si ?

Ce qu'il ne faut surtout pas oublier, de fournir de la part du réa, de demander de la part du comédien, c'est surtout la façon de penser du personnage.

Ce que tu donnes là, Velvorn, est tout à fait exact. C'est d'ailleurs pour ça qu'on trouve de beaucoup de bons acteurs, mais les excellents sont ceux qui arrivent à saisir les quelques petites spécificités de chaque personnage dans une telle situation. Avec de l'image, ça se traduirait surtout par des gestes. De notre coté, c'est moins le ton (quand on est triste, on est triste. Les façons de le faire transparaitre dans la voix ne sont pas nombreuses) mais la respiration, le débit et la cadence de la voix, les mini-accentuations de certaines voyelles, ou de certaines syllabes. Il y a le reniflement, les tics de langage, le balbutiement, etc.


Si l'on surjoue, on va essayer de mettre tout ça dans le personnage qu'on incarne, mais si l'on s'attarde sur son passé et sa façon de penser, on va préciser ses contours. Aussi, selon son comportement, on va avoir un personnage qui s'emporte, hausse la voix, devient hautain quand il est triste en forme d'autodéfense inconsciente ; alors qu'un autre va parler lentement, essayant de réfléchir à chacune de ses phrases pour pas envenimer la situation, ou parce qu'il a du mal à réfléchir et à encaisser, il prend du temps.



Ce que j'ai clairement remarqué depuis déjà quelques années, c'est qu'il devient finalement assez facile d'avoir un jeu d'acteur correct avec juste un peu d'entrainement. On répertorie les codes des états mentaux du personnage (triste, content, suspicieux, confiant et souriant, énervé, gloussant, ...) et on le joue. Et on met de coté le fait que chaque rôle qu'on interprète est unique et singulier. C'est la cadence et le rythme de la voix qui individualisent.

(et sinon, oui, la façon dont Velvorn aborde le sujet est sans doute plus intéressant)

Allez, j'viens donner mon avis de créateur en herbe.

Déjà, pour être honnête, je pense que le recentrage du débat par Velvorn était nécessaire.
Parce qu'avant, les seuls pavés que j'ai pu lire sans me forcer étaient ceux de Kraduman ...

En terme de jeu, je sais que moi, j'arrive facilement à me rapprocher de l'état d'esprit d'un personnage.
En soi, c'est déjà ça de moins à travailler. Mais en parallèle, je pense que je dois avoir beaucoup trop tendance à calquer le personnage que je joue sur moi. Dixit le peu de théâtre que j'aie pratique, et une introspection personnelle sur mes moments d'égarement.
En clair : c'est la bonne émotion, mais pas sur la bonne personne.

Donc question aux masters ès jeu d'acteur, auriez-vous un ou deux conseils pour s'exercer à vraiment détacher les personnage qu'un joue de soi-même ?

Même question aux masters ès scénario d'ailleurs : quand on écrit, n'a-t-on pas naturellement tendance à calquer un peu nos personnages sur nous-même ? Car soit dit en passant, nous restons le personnage que l'on connait le mieux.

Ou alors c'est juste moi qui suis pas humain ?

Personnellement, pour être concret, j'ai tendance à accentuer certaines syllabes des mots important, ça ajoute de la crédibilité je trouve. Ou encore, je rallonge la dernière syllabe, à la manière des points de suspension, comme si le personnage avait un léger souffle à la fin d'une phrase.

Je réponds à Kradukman sur cette question et je poursuis dans le sujet du topic (qui comme le dit Jay est une comparaison entre deux façons de jouer, j'en propose plus ou moins une troisième)


Comme tu le dis, tu n'as pas besoin d'ouvrages théoriques pour être bon acteur, sauf lorsque tu te trouves dans l'impasse. Alors certes l'ouvrage de Jean Dupont, critique théâtral de je-ne-sais-où n'est peut-être pas digne d'intérêt pour ce qu'on cherche à faire, mais en revanche, les bouquins théoriques tels que ceux de Stanislavski ou d'Artaud (pour prendre un exemple théâtral mais qui s'applique plus largement aux autres domaines) sont extrêmement utiles, qui plus est, ils sont rédigés de manière originale (La Formation de l'Acteur par exemple est écrit sous forme de journal fictif tenu par un comédien) ... C'est pas pour rien qu'on doit bouffer ce genre de livre quand on est comédien, parce que justement ce n'est pas du blabla théorique, mais bien des faits concrets.


Bah, l'idée c'est d'amener quelque chose de ce qui se fait en milieu pro, de s'intéresser un peu aux méthodes et de voir s'il est faisable et profitable d'en amener des bribes dans le monde de la réa sagasphérique.


Sur ce point je suis d'accord. La discussion a tourné un peu en débat d'idées, donc j'ai sorti un peu les références que j'avais en tête, sans faire suffisamment attention aux lecteurs. Donc je propose de clarifier un peu les idées de mon précédent post.

En gros :


Quand vous jouez vraiment, vous n'êtes plus personne, pas même le personnage. Vous êtes un corps vide qui véhicule le texte. Pour cela, il faut être dans une grande concentration, presque proche de la méditation. Pour la partie pratique, il n'est pas question de faire du yoga ou quoi que ce soit de ce genre, moi ce que je fais, c'est que j'apprends au possible et au préalable mon texte, puis je m'allonge sur mon lit et je ne pense à rien, pas même à mon texte ou à mon personnage. Je me concentre par exemple sur ma respiration. J'attends aussi longtemps qu'il faut, jusqu'à ce que je me sente "prêt". Puis, je me lève, je vais jusqu'au micro et j'enregistre tout ce que doit dire mon personnage d'une traite. En général dans ces cas là, j'ai rarement besoin de faire plusieurs prises pour chaque phrase.


C'est surtout pour le jeu collectif, quand vous bossez sur Skype par exemple. Pour que le jeu collectif puisse être gratifiant, il faut tenir compte de deux aspects : Le cadre que vous vous établissez pour telle scène ou tel personnage, et à l'intérieur de ce cadre les possibilités que vous avez pour moduler. A plusieurs, il faut pouvoir à la fois être à fond dans la perspective de base et à la fois pouvoir proposer quelque chose de nouveau au(x) partenaire(s).
Concrètement, ça veut dire que si je joue un malade mental et mon partenaire un médecin psychiatrique, pour prendre un exemple fort, il faut que je suive à la fois l'essentiel de mon perso (ce qu'il veut dire, ce qu'il cherche, etc.) et à la fois que je puisse moduler entre le fou furieux qui hurle et l'introverti qui reste calme mais n'en est pas moins effrayant, en voyant comment réagit le médecin. Il faut envisager toutes les possibilités qui ne contredisent pas le sens de ce que dit et fait mon perso.


Petite synthèse de ce que je dis précédemment. La spontanéité et l'immédiateté correspondent au fait d'enregistrer tout de suite, sans préparation. Il faut être dans l'état de concentration nécessaire pour pouvoir directement faire une prise. La plupart du temps dans ces cas là, la première prise est la meilleure parce qu'elle est désintéressée. Les suivantes sont plutôt des tentatives pour imiter ce qu'on a fait avant et elles ne marchent pas toujours. Pour cela, il faut connaître son texte au possible.
La détermination et ce que j'appelle le "jusqu'au-boutisme", c'est d'être "têtu" et d'épuiser les propositions qu'on fait. Votre personnage est un malade mental furieux ? Hurlez, vociférez, gesticulez impulsivement, prenez une chaise et balancez là par terre si nécessaire mais faites en sorte que votre fou le soit jusqu'au bout. Pensez à baisser le gain quand même.

Voilà

C'est drôle quand même, on rapproche très souvent le cheminement, le travail fourni pour obtenir une saga mp3, du théâtre ou du cinéma. Alors qu'on s'approche davantage du doublage de film, film d'animation, dessin animé, etc. Le théâtre est un exemple assez bancal, dans le sens où le rôle que vous interprétez, vous le répétez au fil des représentations, et surtout, pour exactement les mêmes situations rejouées sans cesse, votre interprétation change et évolue.

Or, de notre coté, il nous arrive de répéter plusieurs fois les répliques, de ré-enregistrer, c'est moins du théâtre que du cinéma.


D'ailleurs, ce qui se rapproche davantage de nos pratiques, c'est peut-être ce qu'on appelle le cinéma direct. Si certaines personnes connaissent Jean Rouch ou Edgar Morin par exemple, le principe consiste en un genre particulier qu'est le docufiction en cinéma direct. C'est-à-dire qu'à l'aide d'acteur non-professionnels, ou du moins n'ayant pas étudié dans les écoles de cinéma ou de comédie, on dispose de séquences (scènes pour nous) scénarisées, que l'on ne va tourner qu'une seule et unique fois. Et quelque soit le résultat, ce sera celui gardé. C'est pour ça que dans leurs films, on a des répliques balbutiantes, des hésitations, des tics de langage, des accroches, qui sont natives de ce dispositif (qui favorise aussi une certaine improvisation) et qui rendent l'ensemble beaucoup plus réaliste (et je parle bien de réalisme plutôt que de vraisemblance).

Bien sûr, ça tend vers ce qu'on fait, mais ça ne l'est pas. Puisque de notre coté, si des répliques sont vraiment mauvaises, on va demander au comédien de les ré-enregistrer. Mais y'a quelque chose de semblable dans la façon de procéder, plus semblable que ce que propose le dispositif de théâtre. Et comme le disent Bardyl ou Krak, le mieux est encore de ne pas répéter son texte, mais de le faire en une prise.

@Bardyl en dessous :


Re-EDIT : bon ok, je confonds encore Bardyl et Gambi, mais je me soigne.

Euh ?

Je préfère pas participer je suis (malheureusement) bien largué au milieu de tout ça moi

EDIT pour Javeldose au dessus

En fait, si il y a un truc qui me fait peur quand je vois toutes ces pages, c'est pas le fait de pas tout comprendre... c'est de me dire qu'avec autant de théorie, de trucs aussi bien rédigés, y a aucun jeu parfait... ça devrait je pense vu ce que vous nous pondez non ? Peut être qu'une impression, mais là je me sens vraiment le gros noob de service à pas comprendre la moitié de tout ce qui est dit... ça me fait vraiment peur...

Je sais que je n'ai pas du tout un jeu d'acteur classe et tout, mais si je joue pour des gens (rarement mais quand même), je fais à l'instinct. J'enregistre une fois, puis deux, jusqu'à ce que ça me plaise et puis voila, je ne vais pas aller me poser tout un tas de questions traitant du fait que la première prise est forcément la meilleure ou autre... je joue, je joue, ça va pas plus loin .

Je vous laisse continuer et préfère survoler si besoin, mais pas plus

Ce qu'on pourrait rajouter à ça c'est que si l'acteur enregistre effectivement en une prise (où il recommence, expérimente ses répliques jusqu'à ce qu'il soit satisfait) il reste quand même une grosse part d'indication du réalisateur/auteur... Ce n'est pas forcément nécessaire pour un personnage basique dont l'interprétation n'est pas très compliquée, mais si les personnages sont très fouillés psychologiquement, s'ils intériorisent, jouent la comédie, etc... l'acteur a intérêt à avoir une solide base de jeu derrière pour ne pas que ça se casse la figure.
Edit: ceci dit il est vrai qu'un acteur "qui se regarde jouer" ça se voit tout de suite et c'est particulièrement horrible.

Bardyl: je ne crois pas qu'il y ait un jeu parfait, non. Deux acteurs peuvent jouer un rôle complètement différement, après tout le propre de l'interprétation c'est de respecter la volonté originelle de l'oeuvre... En y apportant quelque chose de personnel!
Le tout c'est de suivre ce que veux exprimer le réalisateur...

Sinon je ne suis pas sûr d'avoir bien compris le parallèle avec le cinéma direct... Ne pas préparer une réplique, peut-être, mais si le texte est particulièrement littéraire et exigeant?